Pocos premios en el mundo del arte competitivo son tan nítidos como Slayer Sword, el premio distintivo otorgado cada año, una vez en los Estados Unidos y nuevamente en el Reino Unido, por Video games Workshop. Entregado cada año desde 1987 por el fabricante de miniaturas en sus eventos de pintura Golden Demon, el arma de 5 pies de largo es el sueño de muchos aspirantes a pintores de miniaturas. Muy pocos han sostenido la espada. El último es un aficionado veterano llamado Chris Clayton.

Hace treinta y cinco años, Clayton obtuvo un par de victorias tempranas en concursos de pintura en todo el Reino Unido, cuando Video games Workshop solo tenía ocho tiendas a su nombre. Clayton tenía solo 14 años cuando se le otorgó la Slayer Sword inaugural. Este año, Clayton tuvo que levantar la espada, para un monstruoso duelo que arrancó fuera de tiempo.

“Personalmente, para mí, la pintura en miniatura period un escape de lo cotidiano”, dijo Clayton a Polygon recientemente en un correo electrónico. «En aquel momento [in 1987]la pintura en miniatura estaba en su infancia y había muy poca instrucción o técnica y mucho menos materiales o comunidad. […] Incluso las imágenes de miniaturas pintadas eran raras”.

Después de 38 años de pintar, hoy Clayton trabaja en lo que él llama un «estudio modesto», donde las ventanas están envueltas en una película que difunde la luz; donde los botes de pintura Citadel comparten espacio con lacas acrílicas, pinturas al óleo, aerógrafos y pinceles de pelo de marta; y donde siempre se puede escuchar música “para evocar o mejorar la memoria”, escribió Clayton.

Aquí fue donde nació la entrada ganadora de Slayer Sword de este año, y aquí es donde ahora descansa la espada.

Foto: Taller de Juegos

Foto: Taller de Juegos

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“Me encantan los monstruos y cuanto más grandes mejor”, escribió Clayton. “Le dan un sentido de escala y, en todo caso, refuerzan la fragilidad de ser un ser humano en estos mundos. A medida que construía la pieza, comencé a crear una historia que encajara con la narrativa visible de la escultura”.

“Imaginé a un marinero colgado, maldecido y dejado a la deriva por su tripulación por algún delito náutico supersticioso. Nuestro Devorador de Kraken se había cruzado con este marinero […] el marinero, ahora no muerto, había negociado con el gigante para viajar con él con el fin de vengarse de su antigua tripulación”.

Después de la historia venían diagramas estructurales “exhaustivos” para crear “una noción convincente de movimiento, tensión y realismo”, para arrancar ese momento fuera del tiempo. Parte de esa planificación sentó las bases para la intrincada base del duelo. “Fue esencial para el éxito de la realización de toda la pieza”, escribió Clayton. «Había visto algunos ejemplos maravillosos de modelado de barcos en los que los submarinos atravesaban la superficie de los mares y pensé que sería genial incorporar este tipo de efecto en una pieza de fantasía».

Los componentes principales del modelo provienen del Mega-Gargant devorador de kraken de 8 pulgadas de alto ($ 210) y el Kharibdyss ($ 70), un modelo diseñado originalmente para la facción de los Elfos Oscuros en Warhammer: Period de Sigmar. Una gran cantidad de remodelación, replanteamiento, corte, corte y pegado más tarde, Clayton tenía los huesos del duelo: gigante, hidra y todos los detalles del fondo marino poco profundo debajo de ellos.

Foto cortesía de Chris Clayton

Foto cortesía de Chris Clayton

Durante las siguientes 360 horas, días de 8 horas durante 10 semanas mientras la primavera inglesa se convertía en verano el año pasado, Clayton trabajó. “Siempre me gusta trabajar con una paleta limitada, especialmente en algo tan grande y detallado”, escribió Clayton. “Sería fácil que esta pieza se volviera quisquillosa, por lo que al mantener algunos colores clave y luego usar tintes y sombras alrededor de esas opciones, podría mantener los colores consistentes y homogéneos”.

Con una paleta de temática náutica, “la primera parte de la pieza a pintar fueron los pies del gigante y el terreno del fondo marino. De esta manera, si el efecto de agua de resina no tenía éxito, no había perdido tiempo y esfuerzo pintando un gigante completo”, escribió Clayton.

El ensamblaje se había tratado de capturar esta instancia entre dos criaturas pesadas, pero ¿cómo podría capturar el agua en movimiento con la misma agudeza?

“Quería algo más dramático y tormentoso donde la claridad óptica fuera primordial, ya que habría muchos detalles debajo de las olas”, escribió Clayton. Esculpiendo las olas en arcilla, Clayton creó un molde de silicona de la superficie del mar turbulento, y «una vez que la base estuvo completamente pintada, detallada y terminada… luego vertí resina transparente en el molde encapsulando completamente la base».

Foto cortesía de Chris Clayton

Hilos de seda y microesferas transparentes «empapadas en barniz transparente y cuidadosamente colocadas» formaron la espuma en el aire y el agua que goteaba, escribió Clayton. Una vez que se asentó la base, Clayton se movió hacia arriba, trabajando sobre las finas líneas de la parte inferior blanca que se veían entre las escamas de la hidra, lavando púrpuras y rojos en los pliegues de la piel del gigante.

Después de 15 días completos de trabajo y un viaje a Nottingham más tarde, Clayton tenía la espada en sus manos.

Cuando se le preguntó, Clayton dijo que no se considera un artista, sino más cercano a un carpintero o ceramista. “Trato miniaturas […] como ilustraciones tridimensionales y, como resultado, estos son los medios a través de los cuales siento que puedo expresarme completamente.

“Estoy en una posición tan afortunada de poder hacer que la pintura en miniatura forme una parte importante de un estilo de vida creativo holístico más amplio. Si me hubieras dicho en 1987 que seguiría pintando miniaturas 35 años después, no te habría creído, pero en secreto lo habría esperado”, escribió Clayton. “Ahora es fácil olvidar lo afortunados que somos de vivir en una época en la que lo que solía ser un pasatiempo de nicho ahora es parte de la cultura in style dominante”.